Работы

Монотонный свет, текущий из шара, – сон человека с чистой совестью. Тихое, глубокое свечение – сон ребенка. Нервный, подрагивающий холодный свет – сон преступника. Яркий желтый свет – сон президента, зеленоватый – домохозяйки. Шар покоится на подушке, он спит.

Пётр Белый

Пауза
2011, инсталляция.
Сталь, краска; размеры варьируются.

Фонтаны крови, почти беспрерывно хлеставшие в России на протяжении ХХ века, превратили ее в машину уничтожения, зону особой опасности. Висящие на тонкой железной проволоке пильные диски замерли. Баланс опасно покачивающихся пил, подрагивающих от любого прикосновения, засохшие черные кляксы на стенах, дриппинг а-ля Джексон Поллок – все говорит о неустойчивом равновесии. Вот-вот раздастся визг набирающей обороты пилы. Зритель испытывает тихий ужас, как бы находясь внутри ненадолго остановившегося механизма, старается двигаться предельно осторожно, ничего не задевая.

Родился в 1971 году в Ленинграде, СССР.
Художник и куратор. Живет и работает в Санкт-Петербурге, в 2000 году закончил магистратуру в Камбервелл Колледже, Лондон. Активно работает в области крупномасштабной инсталляции. За последние годы создал более двадцати пяти проектов совмещающих в себе монументальность с визуальным аскетизмом, где нарочитое использование грубых материалов, брутальность подхода сочетается с лиричностью концептуального месседжа, глобальной печалью.
Участник многочисленных выставок в России, Европе и США. Работы находятся во многих музейных коллекциях мира, в том числе Маргулис Коллекшен, США, Государственный Русский Музей, Музей Виктории и Альберта, Лондон. Лауреат премии Курёхина в 2010 году (Санкт-Петербург, Россия).

www.peterbelyi.com

«Прогноз погоды» (выставляется вместе с инсталляцией «Беспокойство»)
Проекция интернет-трансляции с эстонского побережья Балтийского моря, звуки инсталляции «Беспокойство» в реальном времени, параболические колонки направленного звука.
Искусственно созданный звуковой ряд кинетической инсталляции «Беспокойство», считываемый в реальном времени, вызывает чувство беспокойства, и требуемая альтернатива ― вечное величие моря, леса и его обитателей.

Анна Франц

Беспокойство
2014, медиалаборатория CYLAND.
Ткань, вентиляторы, программирование

Аллегория тревожных состояний: нет любви, нет сопереживания ― только тревога.
Проект представляет собой отрежиссированную драму, в которой играет небрежно наброшенная ткань. Ее «хореография» обеспечена работой вентиляторов разной мощности и театральной подсветкой. Спектакль призван вызывать ощущение беспокойства.

Анна Франц – успешный художник, а также выдающийся куратор, активно развивающий и продвигающий международное искусство новых медиа.
Интерактивные инсталляции Анны Франц показывались на Санкт-Петербургской биеннале, Московской биеннале современного искусства, Польской биеннале, фестивале «Video Guerrilha» (Бразилия), конференции «Siggraph Asia» (Гонконг), на биеннале Манифеста 10 (Санкт-Петербург, Россия), в Музее искусства и дизайна (Нью-Йорк, США), Государственном Эрмитаже (Санкт-Петербург, Россия), Chelsea Art Museum (Нью-Йорк, США), Neuberger Museum (штат Нью-Йорк, США), Paul&Lulu Hilliard University Art Museum (Лафайет, США), Государственном русском музее (Санкт-Петербург, Россия), Kunstquartier Bethanien (Берлин, Германия), KuoseinoSato Museum of Contemporary Art (Фукуока, Япония), на VAP/Гогольфест (Киев, Украина), в Музее изобразительных искусств Аляски (Анкоридж, Аляска), Нью-йоркском медиа-центре при IFP (Нью-Йорк, США), Трансмедиале (Берлин, Германия), а также во многих других центрах и на других мероприятиях.
Анна закончила Санкт-Петербургскую государственную художественно-промышленную академию им. А.Л. Штиглица и институт Pratt Institute School of Advanced Studies в Нью-Йорке. Она делит свое время между Россией и Нью-Йорком.

www.annafrants.net

Один глаз был фанерой заколочен.

Две плоские фанерные девушки сидят друг против друга на кухонных табуретках. Их головы представлены в виде видеоизображения в мониторах, установленных там, где должны находиться их фанерные головы. Головы сняты на видео и выступают как персонажи компьютерной игры-симулятора. Пространство этого видео составляет реальный город с реальными жителями или реальный пейзаж, где нет живых людей.
В инсталляции рассматривается пограничное состояние: я здесь и я там, я статичен и одновременно динамичен.
В видео есть документация опыта художника, который внедряет своего героя в среду настоящих жителей и сталкивается с понятием «свой-чужой», и противоположный опыт съемки героев в ситуации дикой природы.

Александр Шишкин-Хокусай

Эко уменьшение
2015, инсталляция..

Пусть совсем не будет взрослых,
А одни лишь только дети!
А то от этих рослых
Очень тесно жить на свете.

О. Григорьев. «Пусть»

Идея проекта пришла ко мне от глубокого переживания стихотворения Олега Григорьева
Представим, что на несколько дней жители города уменьшились до размеров городских животных, – возможно, тогда мы смогли бы почувствовать, как грандиозен и жесток наш мир в масштабе реальной природы.
Инсталляция выглядит как иллюстрация этой идеи: сотни маленьких фанерных фигурок размещаются в различных местах района на уровне земли, скомпонованные в разные бытовые сценки.

Родился в 1969 году в Ленинграде, СССР. В 1995 году окончил ЛГИТМиК. Член Союза художников России с 1998 года Работает как театральный художник с 1995 года. С 2010 года участник объединения художников «арт-галерея Паразит». В 2011 году номинировался на премию Кандинского «Проект года». С 2013 года сотрудничает с галерей Marina Gisich Gallery (Санкт-Петербург, Россия).
С 2014 года участвует в проектах МедиаАртЛаборатории CYLAND.
В театре сотрудничает с режиссерами Ю. Бутусовым, А. Могучим, А.Шапиро. Как сценограф и дизайнер костюмов работал в театрах России, Норвегии, Польши, Болгарии, Южной Кореи, Китая. Театральные награды «Золотая маска» за 2008, 2011, 2012, 2014 гг.
Работает в основном с бумагой и фанерой. Использует эти материалы как взаимно заменяемые в зависимости от масштаба. Пытается столкнуть живое с неживым, размыть границы предмета искусства и перевести его на уровень детской игрушки, заставить зрителя эмоционально взаимодействовать с объектом или инсталляцией. С интересом наблюдает, как условный рисунок может воздействовать на пространство и зрителя.

В «Памяти зеркала» отражение вставшего перед плотным экраном зрителя окружают люди, иногда вовсе ему не знакомые. Из тьмы притворяющегося зеркалом экрана выходят те, кто стоял перед ним прежде. Из темноты появляется незнакомец, присоединяется к одинокому зрителю, тот нервно оглядывается. Понимая умом, что рядом с ними реализуются не призраки, зритель даже с нормальной психикой испытывает суеверный ужас – у зеркал и без того неоднозначная репутация, а тут рядом возникают непонятно откуда взявшиеся фигуры. Александра Дементьева не пытается программировать поведение публики, уважает чужую свободу и не в силах предсказать последствия собственных экспериментов. Художник лишь провоцирует зрителя, который сам решает, втягиваться ли ему в процесс, принимать или нет предлагаемые обстоятельства.

Основной интерес Дементьевой как художника—применение социальной психологии, теории восприятия и бихевиоризма в инсталляциях, а также развитие повествования фильма через точку зрения субъективной камеры. В центре всех ее работ лежит ясно выраженная идея взаимодействия между произведением искусства и зрителем, возникающая благодаря новейшим технологическим способам создания интерактивного изобразительного и звукового рядов. Александра Дементьева – обладательница главного приза за лучшее моноканальное видео на международном фестивале видео и дигитального искусства VAD в Испании, а также специального упоминания жюри на Медиа форуме в 2008 году в рамках Московского международного кинофестиваля. Участница многочисленных выставок в крупнейших российских и зарубежных культурных институциях, среди которых Государственный Эрмитаж, Московский Музей Современного Искусства, фестиваль FILE в Сан-Пауло, музей Centro De La Imagen в Мехико и др. Живет и работает в Брюсселе.

www.alexdementieva.org

Приникая к дверному глазку и слушая далекие звуки, мы невольно восстанавливаем в своей памяти реальность, балансируя на грани присутствия и отсутствия, видимого и невидимого. Образ здесь – и в то же время доносится до нас из какой-то дали – как шум моря, заключенный в раковине.
Неясность визуальной картинки – здесь черно-белой фотографии, измененной оптикой глазка и как бы «оживленной», и нечеткость звуков предполагают включение в работу собственных архивов зрителя, выуживания из уголков памяти собственных ощущений и ассоциаций. И чем менее реально, «сюжетно» рассказывается о реальности – тем правдоподобнее она воспринимается.

Людмила Белова живет и работает в Санкт-Петербурге, Россия. В своих работах исследует вопросы памяти, пространства и времени. Через интерактивность делает зрителя участником арт-процесса. Изучает влияние новых технологий на человека и в художественных практиках. Занимается видео, звуком, живописью, фотографией.
Ведет кураторскую деятельность. Принимала участие в групповых выставках в Европе, США и России. Участник Московской биеннале (2005, 2011 годы), Венецианской биеннале (параллельная программа 2011, 2013 годы), Манифеста 10 (параллельная программа, Санкт-Петербург, Россия). Номинант премии “ZKM” (Карлсруэ, Германия 2000 год), премии Курехина 2011 года (Санкт-Петербург, Россия), премия “Pro & Contra” (Москва, Россия,2011 год).
Работы находятся в коллекциях Русского музея, Россия, Музее Анны Ахматовой, Санкт-Петербург, Россия, Музей «Эрарта», Санкт-Петербург, Россия, The Kolodzei Art Foundation, Нью-Йорк, США, в частных коллекциях Швейцарии, Германии и России.

www.ludmilabelova.com

Жучки-паучки в любовном акте, кошки, терзающие мышек, окровавленные быки и зарезанные олени. Сюжеты Марины Колдобской просты, чтобы не сказать банальны. В монументальных настенных росписях художница намеренно выходит за рамки профессионального художественного этикета. Обнажая и упрощая живописные приемы, она сводит палитру к трем цветам – черный, белый, красный. А рисунок – не то к детским каракулям, не то к сакральным росписям эпохи палеолита. Вместе с тем работы Колдобской примитивистскими не назовешь – в этой выверенной простоте просматривается жесткость дизайнерского знака, строгость графических формул русского авангарда, агрессия тоталитарного плаката и магический ритм племенных орнаментов. Стремительно создавая на глазах у публики очередной гигантский рисунок, художница совершает шаманский акт, заклиная понятные каждому эмоции вожделения, ярости, жажды и страха.

Родилась в Ленинграде, СССР. В 1985 окончила ЛВХПУ им. В.И. Мухиной по специальности дизайн. В середине 1980-х, в годы Перестройки, начала вставляться как независимый художник. В середине 1990x-2000-х работала как арт-журналист и арт-критик.
Куратор многочисленных художественных проектов. В 1999-2001 была директором Музея Нонконформистского искусства в Санкт-Петербурге. В 2003-2011 годах была Директором Санкт-Петербургского филиала Государственного Центра современного искусства. В 2007 совместно с Анной Франц основала МедиаАртлабораторию CYLAND (www.cyland.org). В 2007-2014 куратор фестиваля Киберфест (www.cyberfest.ru).
В 1987-1999 была членом ТЭИИ (Товарищества Экспериментального Изобразительного искусства), с 1999 года член Товарищества Свободная культура. В 2010-2011 годах член Коллегии Комитета по культуре Администрации Санкт-Петербурга. C 2007 года член Европейского Культурного Парламента.

www.marinakoldobskaya.com

Перформанс Ивана Говоркова и Даниила Франца — прежде всего диалог художественных поколений. Иван Говорков, профессор, профессионал с академической школой, виртуоз рисунка, легко и свободно владеющий материалом. 16-летний Даниил Франц, юный программист, специалист по творческому использованию новых технологий. Вопрос, который поднимают художники в этой работе очень актуальный для современных художественных практик. Насколько возможна интеграция технологий в традиционное искусство?
Иван Говорков начинает свой рисунок без всякого предварительного замысла, практически с закрытыми глазами. Перед нами не эскиз, не живописное полотно. Это графические импровизации. Для художника с академической выучкой они естественная форма жизни. Автоматическое письмо сюрреалистов, le geste gratuit дадаистов и изобретенные под их влиянием спонтанные художественные техники – сегодня только конструкторы. Оказывается, что, освобождаясь из-под контроля, ведя линию вслепую, без какого бы то ни было предварительного плана, художник не достигает свободы, но видит ее фиктивность. В этом удовольствии и в этой свободе есть доля привычки, навыка и предсказуемости. Именно это и использует Даниил Франц. С помощью созданной им программы, компьютерного моделирования, современного сканера и 3D принтера он переводит спонтанный двухмерный рисунок художника в трехмерную форму. Добавляя в карандашные линии виртуальное пространство, Даниил Франц создаёт совершенно новый художественный объект в реальном пространстве. В этой новой скульптуре уже ничего не напоминает о первоначальном рисунке, может быть кроме экспрессии. И каждый из участников этого диалога, в результате, всё- таки остаётся на своей территории

В основе творчества Говоркова лежит его интерес к философии, топологии и геометрии пространства. Он использует свою теорию «недвойственности» как в своих рисунках и картинах, так и в объектах и инсталляциях, созданных на стыке традиционного искусства и новых технологий. Занимается философией, психологией, рисунком, живописью, скульптурой, инсталляцией. Профессор рисунка института им. Репина в Санкт-Петербурге. Стипендиат Фонда И. Бродского в Американской Академии в Риме (AAR in Rome). В 2009 году вошел в Longlist премии Кандинского, в 2012 году вошел shortlist премии Сергея Курёхина, Россия. Обладатель главной премии им. Сергея Курёхина в области современного искусства 2013 года (Санкт-Петербург, Россия) в номинации «Лучшее произведение визуального искусства» (совместно с Еленой Губановой). Участник многочисленных выставок в крупнейших российских и зарубежных культурных институциях, среди которых Государственный Эрмитаж, Государственный Русский Музей, Музей Москвы, Манифеста 10 (Санкт-Петербург, Россия), Университет Ca’ Foscari (Венеция, Италия), Chelsea Art Museum (New York, USA), Kunstquartier Bethanien (Berlin, Germany), KuoseinoSato Museum of Contemporary Art (Fukuoka, Japan), “Sky Gallery” Roppongi Hills в Токио, фестиваль современного искусства Киберфест и многих других.
С 1990 года работает совместно с Еленой Губановой. Живёт в Санкт- Петербурге, Россия.

Даниил Франц (родился в 1998) – технологический разработчик, программист и художник, живущий в Нью-Йорке. В настоящее время старшеклассник в школе Dwight School, а в прошлом прошел подготовку усиленного типа в технологии и математике, включая стажировку в Массачусетском технологическом институте в возрасте 14 лет, и он также участвовал в транслируемой по телевидению дискуссии с Фумио Нанджо, директором художественного музея Мори. В возрасте 15 лет Франц основал свою компанию «FrantsInnovatorsInc.» (www.frantsinnovators.com), генеральным директором которой он в настоящее время является. Эта компания занимается дизайном продуктов, нацеленных на решение целого ряда проблем. Среди них – надеваемый на голову дисплей, передающий кодированные субтитры (Система кодированных субтитров в живом времени), чтобы люди с нарушением слуха могли принимать участие в разговоре в естественной манере, ремень, который заряжает ваш телефон, пока тот находится у вас в кармане (Ремень 2.0), и наручные часы, показывающие время в системе Брайля, чтобы люди с нарушением зрения могли проверять время так же, как и все остальные. Он провел многочисленные воркшопы по роботехнике и лекции по технологии, а также создал художественные проекты по всему миру, в том числе в таких городах, как Токио, Нью-Йорк, Берлин, Санкт-Петербург, Фукуока и Киев. Сейчас ему 16 лет, и он является самым молодым участником выставки «Иду».

При больших масштабах световое давление может заставить астероиды вращаться быстрее, действуя на их неправильные формы, как на лопасти ветряной мельницы…» (Wikipedia)

Художники обращаются к мифу о дочери Акрисия и боге Зевсе как к самой прекрасной иллюстрации животворящей силы «нематериального» в искусстве. «Даная» – это мультимедийный объект-скульптура из «живых» круглых зеркал, которые вздрагивают от прикосновения светового луча к их поверхности. Общие очертания скульптуры можно соотнести с фигурой Данаи на картине Рембрандта, хранящейся в Эрмитаже. В инсталляции художники связали алгоритм движения света с алгоритмом движения взгляда зрителя по картине Рембрандта. Вздрагивание зеркала и трепещущее отражение света от его поверхности создают чувственный, эротический контекст восприятия объекта. Во все времена учёные и художники стремились представить обыденное – таинственным, а таинственное – видимым. Не случайно один из астероидов, мечущихся по Вселенной в поисках живого света, был назван «Даная».

Елена Губанова живёт и работает в Санкт-Петербурге. Занимается живописью, скульптурой, инсталляцией, видео. Последнее десятилетие активно использует в своём творчестве современные технологии (работы представлены на сайте МедиаАртЛаборатории CYLAND- www.cyland.org). Основной интерес Губановой, как художника – раскрытие понятия времени-пространства в социальном контексте, презентация научных открытий образным языком искусства, (проект «Красное смещение», Университет Ca’ Foscari, Венеция, Италия, в рамках параллельной программы Венецианского бьеннале, 2011 год). Окончила Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина в Санкт-Петербурге. Лауреат премии им. Сергея Курёхина (Санкт-Петербург, Россия)в области современного искусства 2013 года в номинации «Лучшее произведение визуального искусства» (совместно с Иваном Говорковым). Участница многочисленных выставок в крупнейших российских и зарубежных культурных институциях, среди которых Государственный Эрмитаж, Государственный Русский Музей, Музей Москвы, Манифеста 10 (Санкт-Петербург, Россия), Университет Ca’ Foscari (Венеция, Италия), Chelsea Art Museum (Нью-Йорк, США), Kunstquartier Bethanien (Берлин, Германия), KuoseinoSato Museum of Contemporary Art (Фукуока, Япония) и многих других. Занимается кураторской деятельностью. С 1990 года работает совместно с Иваном Говорковым.

В основе творчества Говоркова лежит его интерес к философии, топологии и геометрии пространства. Он использует свою теорию «недвойственности» как в своих рисунках и картинах, так и в объектах и инсталляциях, созданных на стыке традиционного искусства и новых технологий. Занимается философией, психологией, рисунком, живописью, скульптурой, инсталляцией. Профессор рисунка института им. Репина в Санкт-Петербурге. Стипендиат Фонда И. Бродского в Американской Академии в Риме (AAR in Rome). В 2009 году вошел в Longlist премии Кандинского, в 2012 году вошел shortlist премии Сергея Курёхина, Россия. Обладатель главной премии им. Сергея Курёхина в области современного искусства 2013 года (Санкт-Петербург, Россия) в номинации «Лучшее произведение визуального искусства» (совместно с Еленой Губановой). Участник многочисленных выставок в крупнейших российских и зарубежных культурных институциях, среди которых Государственный Эрмитаж, Государственный Русский Музей, Музей Москвы, Манифеста 10 (Санкт-Петербург, Россия), Университет Ca’ Foscari (Венеция, Италия), Chelsea Art Museum (New York, USA), Kunstquartier Bethanien (Berlin, Germany), KuoseinoSato Museum of Contemporary Art (Fukuoka, Japan), “Sky Gallery” Roppongi Hills в Токио, фестиваль современного искусства Киберфест и многих других.
С 1990 года работает совместно с Еленой Губановой. Живёт в Санкт- Петербурге, Россия.

www.elenagubanova.com

Ироническая видео новелла о девушке в петербургской коммунальной ванной. Мы не можем отделить мечты и воспоминания от реальности.
Работа создана в творческом тандеме с хореографом Майей Поповой, исполняющей главную роль и акробатическое соло в ванной. Импровизации мужских ролей студенты немецкой киноакадемии. Художницу интересовала перформативная составляющая проекта и ее трансформация посредством монтажа.

Вика Илюшкина живет и работает в Санкт-Петербурге. В 2001 окончила Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина, в 2005 году – программу “Новые технологии в современном искусстве», Петербургский фонд культуры и искусства «Институт ПРО АРТЕ». В 2009-2012 годах куратор в петербургском филиале ГЦСИ. С 2009 года куратор видеопрограмм МедиаАртЛаборатории CYLAND и куратор фестиваля Видеоформа, член жюри Премии в области современного искусства им. Сергея Курёхина.

Основные персональные выставки: «Flashmemories» (Галерея Pfeister, Дания,2010 год), «Не модно» (Гиславед Кунстхалле, Швеция, 2014 год). Участник многих коллективных выставок, среди которых: «Танец», Русский музей, Петербург,2011, «Другая столица» (Музей Москвы, 2014 год), «Россия современная» (Галерея Гмуржински, Женева, Швейцария, 2014 год).
Художница создает видео одновременно как автор и как постановщик воображаемого перформанса. Ее проекты являются поиском синтеза между современной хореографией, живописью, звуком и видео. Совместная работа с хореографом стала основополагающим элементом ее творчества.

www.vikailyushkina.wix.com

Майя Попова – хореограф, танцовщица, с 2001 по 2014 – преподаватель дисциплины «Современный танец» в Академии Русского балета им. А.Я. Вагановой.
В 1999 году окончила отделение «Режиссуры балета» Санкт-Петербургской государственной консерватории им. Н.А. Римского-Корсакова. Лауреат и дипломант конкурсов «Музы Санкт-Петербурга», 1998, Конкурс молодых хореографов «Vaganova-Prix», 1998 год, Конкурс молодых хореографов им. Ф. Лопухова в рамках Фестиваля «Визит» (Санкт-Петербург,1999 год). В качестве хореографа участвовала в создании спектаклей, проектов драматических и музыкальных театров Санкт-Петербурга: театр «Буфф», детский театр «Зазеркалье», «Театр Мюзик-Холл», «Театр-фестиваль Балтийский Дом». Как танцовщица и хореограф представила свои работы на фестивалях современного танца «IFMC»,»Open Look”, «Choreografien von Frauen Dance Festival», «Слово и Тело», программа «АА» фестиваля «Альтернатива», «OKNO».

Гидравлический принцип в психоанализе относится к теории либидо, и в этом контексте Фрейд использует терминологию, крепко привязанную к жидкостям: истечение, выделение, сосуд, каналообразование и т. п. Пока голос за кадром дидактическим тоном рассказывает о том, что происходит на психологическом уровне, на экране показываются научные опыты, имеющие отношение к жидкостям и снятые в физических и химических лабораториях. Схематическая графика, изображения пробирок, поршни водяных цилиндров, краны и сообщающиеся сосуды парадоксальным образом пытаются проиллюстрировать то, что происходит в психологическом аппарате, то есть, в том, что невозможно изобразить по самой его природе. Меня интересует человеческая тенденция понимать феномены, даже самые сложные, через схематическое изображение, через обобщение, ведущее к идентификации организующих принципов. Я процитирую Оливера Сакса, который ребенком был заворожен таблицей Менделеева: «Периодическая таблица была невероятно красивой, самой красивой вещью, которую я когда бы то ни было видел. Я так и не смог адекватно проанализировать, что я в данном контексте имел в виду под красотой: простоту? логическую связанность? ритм? неотвратимость?»

Сартори живет и работает в Венеции. Ее искусство находится под сильным влиянием нейробиологии, лингвистики и философии, которые предлагают специфические углы для наблюдения за человеческой природой. Ее интересует естественная склонность человека соединять индивидуальные и субъективные переживания с общими принципами, их объясняющими. Ее работы вдохновляются напряжением между объективным и субъективным, двигаясь между этими двумя полюсами, чтобы сосредоточиться на различных аспектах человеческой натуры.
В 1999 году Сартори начала преподавать публичные курсы рисования для начинающих, используя метод Бетти Эдвардс, который базируется на тех же нейробиологических постулатах, что движут художественные исследования художницы.
Недавно в сферу ее исследований ворвалась музыка, часто в связи с языком, как в случае с видео «Этюд № 10, оп. 25, си минор, посвящается Шопену», в котором язык становится музыкой, или музыка становится языком, подчеркивая эмоциональный аспект общения, который разделяют все люди. Например, в работе «Звук языка», которая находится в постоянной коллекции фонда Кверини Стампалья в Венеции, можно вслушиваться в музыкальность и мелодию языков планеты за пределами смысловой нагрузки.
Показательно то, что художница чувствует потребность заручиться сотрудничеством экспертов в тех дисциплинах, за которые она берется. В «Звуке языка» это были композиторы и лингвисты, а сотрудничество с физиком-теоретиком Бруно Джорджини и его физической лабораторией в Венеции имело ключевое значение для изучения цикла пешеходных потоков на площади Сан-Марко.

www.mariateresasartori.it

Следы на белом
2015, 80 фотографий, карусельный слайд-проектор

При поддержке медиа лаборатории CYLAND

Из пункта «А» в пункт «B» идет человек, но никуда не приходит. В основе фотопроектов Александра Теребенина «Галерея» и «Следы на белом» – движение по заранее заданной траектории. Путь прямой или извилистый, с четкими ритмическими повторениями в пространстве галереи или импровизацией хаотичной, почти первобытной застройки, в занесенном снегами коридоре. Топтание на месте, цикличность. Дорога в никуда.

Родился в Ленинграде, СССР. Получил образование в Архитектурном техникуме в Ленинграде. Профессиональный фотограф, Теребенин делает также объекты и инсталляции. Теребенин участник более 70 выставок в России и за рубежом. Его работы находятся в собраниях Музея Истории Города (Санкт-Петербург, Россия), Фонде русского искусства Колодзей (Нью-Йорк), в галереях и частных коллекциях России, США, Израиля, Германии, Финляндии и многих других.
Куратор художественных проектов «Конверсия» (2012), «Сигнал 2014″, Санкт-Петербург. Номинант премии «Инновация» (Москва, Россия) за лучший кураторский проект 2014 года (совместно с П. Белым).

Александр Арефьев (3 августа 1931 – 5 мая 1978)

Родился в Ленинграде, СССР. Учился рисованию во Дворце пионеров им. А.А. Жданова. В 1944 поступил в Среднюю художественную школу при Академии Художеств. Соучениками Арефьева по СХШ были: Александр Траугот, Илья Глазунов, Шолом Шварц, Владимир Шагин, Родион Гудзенко. В 1949 вместе с А. Трауготом и М. Войцеховским, был отчислен из СХШ. В 1951 были отчислены из СХШ друзья Арефьева: Владимир Шагин и Валентин Громов. В конце 1940-х годах отчисленные из СХШ художники вместе с А. Арефьевым объединились в группу и начали проводить свои небольшие квартирные выставки.
Работы Арефьева в 1940-х годах состоят в основном из городских пейзажей (Васильевский остров, Коломна) и жанровых сцен. В 1948 знакомится с поэтом Роальдом Мандельштамом вокруг которого, со временем, в 1950-е гг., кроме Арефьева и Траугота, объединялись художники Рихард Васми, Шолом Шварц, Родион Гудзенко, Валентин Громов, Владимир Шагин. В середине 1950-х годов Арефьев создаёт сотни рисунков на темы ленинградского быта.
В конце 1960-х гг. А.Д. Арефьев становится лидером небольшой группы художников, получившей позднее название «Арефьевский круг», в которую входят В. Шагин, Р. Васми, Ш. Шварц. Пробует заниматься книжной графикой. Проводит две свои персональные выставки (квартирные), у друзей, художников Вахтанга Кекелидзе и Кирилла Лильбока (в 1958 году). В 1974—1975 годах Арефьев принимает участие в подготовке выставок художников-нонконформистов в ДК им. Газа и в ДК «Невский», сам участвует в первой из них. С 1975 становится членом Товарищества экспериментальных выставок. C этого времени принимает участие в нескольких квартирных выставках в Ленинграде и в Москве. Будучи русским, принимает также участие в выставках еврейской группы «Алеф». 19 мая 1978 года А.Д. Арефьев умер в Париже.
Работы А.Д. Арефьева находятся в собраниях: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург; Музей нонконформистского искусства (Санкт-Петербург,Россия); Zimmerly Art Museum (Нью-Брансвик, США); Государственный музей истории Санкт-Петербурга, Государственный музей «Царскосельская коллекция», частные коллекции Петербурга, Франции, Нью-Йорка.

Родион Гудзенко (1931, Полтава – 1999, Санкт-Петербург)

Учился в СХШ с 1944 по 1947 год в одном классе с А. Арефьевым и Ш. Шварцем, был отчислен. В 1953 году поступил на заочное отделение Московского полиграфического института, на факультет художественного оформления печатной продукции. Был арестован в 1956 году и осужден по статье 58 п. 10 «за антисоветскую агитацию и пропаганду», освобождён в 1961.

«Лежащая»
35Х41см
оргалит/ темпера
2004

Валентин Громов (1930, Ленинград)

Учился рисованию во Дворце пионеров им. А.А. Жданова.
В 1946 поступил в Среднюю художественную школу при Академии Художеств. Соучениками Громова по СХШ были: Александр Арефьев, Александр Траугот, Илья Глазунов, Шолом Шварц, Владимир Шагин, Родион Гудзенко. В 1948 знакомится с поэтом Роальдом Мандельштамом, оказавшим на него большое влияние. В 1951 был отчислен из СХШ, вместе с Владимиром Шагиным; его друзья А. Арефьев, А. Траугот и М. Войцеховский были отчислены годом ранее. В конце 1940-х годах отчисленные из СХШ художники, в их числе и Валентин Громов, вместе с А. Арефьевым объединились в группу и начали проводить свои небольшие квартирные выставки. После СХШ поступает в вечернюю школу и успешно заканчивает её. Работал декоратором в театре. В 1953 году поступил на заочное отделение Московского полиграфического института, на факультет художественного оформления печатной продукции, закончил его. В 1956 году, после открытия экспозиции живописи французского импрессионизма и пост-импрессионизма в Эрмитаже испытывает сильное влияние французской живописи. На формирование художника в это время оказали влияние французские художники Дега, Тулуз-Лотрек и Ренуар.
Сюжеты работ Громова — театр, сцены в парках и на пляже, виды ленинградских пригородов. Произведения раннего периода (1950-х годов) демонстрируют сильное влияние Арефьева, впоследствии художник выработал собственную манеру, сочетающую характерные для Арефьевского круга контрасты ярких пятен чистого цвета и фрагментарность композиции с наполненным тонкой лирической интонацией рисунком.
С 1959 по 1998 год работал в типографии как корректор по печати. В начале 2000-х годов начал много работать в живописи.

Рихард Васми (1929, Ленинград – 1998, Санкт-Петербург)

Рихард Васми родился в 1929 году в Ленинграде в семье архитектора. В 1948-50 годах учился в Ленинградском архитектурном техникуме. В 1951 году вошёл в группу художников-нонконформистов. В 1948 скульптор Михаил Войцеховский (родился в 1931), учившийся в СХШ вместе с А. Арефьевым и А. Трауготом, остроумно назвал круг близких ему художников «Орденом нищенствующих живописцев», по аналогии с основанным в Иерусалиме в 1118 году «Орденом нищенствующих рыцарей», более известным как орден тамплиеров или храмовников. Позднее, через 20 лет это название было подхвачено художником Александром Арефьевым, относившим его уже к себе и своим друзьям. В круг входили А. Арефьев, В. Шагин, Ш. Шварц, В. Преловский, в круг входил также поэт Роальд Мандельштам. С 1965 участвует в квартирных выставках. В 1965-67 годах живёт в городе Нарве. В 1978 участвует в выставке в Музее современного искусства в Ереване. В 1991 вступает в Творческий союз художников (IFA).
Творческая манера Васми характеризуется упрощенной трактовкой форм, подчеркнутой жестким линеарным рисунком и декоративным цветом. Работал в жанрах пейзажа, портрета, натюрморта, создавал исторические композиции. На формирование художника оказали влияние ленинградские художники Николай Лапшин и Александр Ведерников. Темы, поднятые художником – от бытовых сцен до евангельских сюжетов. Преобладают городские пейзажи.
Умер в Санкт-Петербурге в 1998 году. Похоронен в Петербурге, в общей могиле с поэтом Р. Мандельштамом (умер в 1961 году) и художником А. Арефьевым (умер в 1978 году). В мае 2012 года на общей могиле был поставлен памятник.

См. также: большое интервью с Рихардом Васми 1997 года. Проект Татьяны и Натальи Колодзей. Материалы восстановлены в Cyland MediaArt Lab www.youtube.com/watch?v=4pQpzrl44eQ

Шолом Шварц (1929, Ленинград – 1995, Санкт-Петербург)

Родился в 1929 году в Ленинграде. Окончил Среднюю художественную школу при Ленинградской Академии художеств, в саму Академию принят не был. Окончил два курса заочного отделения Московского полиграфического института (1953–1954). Работал пробистом в типографии, кровельщиком, радиомонтером, экспедитором, маляром и пр.
Живописные работы художника характеризует экспрессивная манера, в графике заметен интерес к изучению формы. Скончался в Петербурге в 1995 году.